La grafica e i modelli di design non hanno mai superato lo squilibrio dannoso delle ricompense finanziarie, identificato con le valutazioni “arte contro architettura” sul mercato. Ad esempio, un disegno per un edificio incarna tutte le stesse qualità concettuali, illustrative ed estetiche dello schizzo di un artista per un dipinto, tuttavia, inevitabilmente vale un terzo (o meno) nel circuito della galleria. Dal punto di vista dell’opinione pubblica, il disegno architettonico è considerato come un artefatto marginale, associato al chiarimento visivo di un servizio pratico; mentre lo schizzo del pittore è stimato come un trampolino di lancio puramente estetico, portando a una conclusione preziosa.
La capacità di sintetizzare la fusione aggraziata delle arti era implicita nella consegna dell’arte, dell’architettura e dello spazio pubblico del XIV secolo. Con l’avvento del “Modernismo” e dell’Era industriale, le priorità basate sulla tecnologia hanno sostituito il “pensiero integrativo” con varie categorie di specializzazione. A una professione era concesso prendere in prestito segnali estetici o ingredienti materiali da un’altra; ma tali libertà erano rigorosamente circoscritte. Ad esempio, un pezzo di scultura era autorizzato come abbellimento indipendente su una facciata, o installato in una piazza, ma il suo ruolo doveva essere identificabile come decorazione supplementare e sempre in servizio rispetto al concetto di edificio-come-grande-evento. Allo stesso modo, uno scultore potrebbe comporre un’assemblea architettonica di travi e mattoni come opera d’arte astratta, purché non esistano rivendicazioni di intenti che si intromettano nella santità dell’habitat funzionale.
Il passaggio all’arte privata per il cliente privato, alla fine del XIX secolo, ha scatenato un’insurrezione sperimentale e anti-istituzionale, nonché nuove frontiere estetiche in lotta per la supremazia tra una profusione di movimenti artistici. Allo stesso tempo, la direzione dell’architettura progressiva divenne ugualmente indipendente nella sua ricerca del design come campione della rivoluzione industriale, come banco di prova per le nuove tecnologie e come fornitore di stile di vita funzionale in un mondo in cui la popolazione è in crescita. Questi percorsi divergenti, che separano arte e design, hanno anche supportato le motivazioni per un clima di postura difensiva e di compromesso professionale tra le due discipline. Come conseguenza di questa alienazione, divenne imperioso il punto di vista degli architetti sul fatto che “gli artisti erano semplicemente generatori autoindulgenti di intrattenimento visivo” e un equivalente opinione da parte degli artisti che “gli architetti erano semplicemente responsabili di un’estetica compromessa in sottomissione all’utilità”.
Appropriandosi all’attività cinetica e imprevedibile degli spettatori come contenuto dell’arte, la sensibilità post-minimalista ha cancellato quei confini prescrittivi che separavano scultura e performance. La sistemazione dell’attività umana era stata normalmente associata agli edifici, a causa dell’obbligo professionale dell’architettura di fornire un habitat funzionale. Al contrario, l’inclusione post-minimalista del movimento corporeo ha esplorato le connessioni equivoche tra routine guidate dal dovere, teatro spontaneo e psicologia della situazione. Da questa prospettiva, l’ascensione di una rampa di scale non era più vista solo come un banale processo di salita o discesa. Potrebbe essere visto, invece, come un’esperienza artistica in sé…direttamente correlato (ma non limitato da) la solita litania di tessuti spaziali in architettura.
