The four horsemen of the apocalypse are not forced (in Mimmo Paladino’s case) out of the saddle as Quijote was in the film of the same name directed by the artist from Campania (Paduli) born in 1948. The metaphor refers to the fact that he is a multifaceted artist, so the four horsemen of the apocalypse here are in fact: an artist (painter, sculptor, photographer, engraver, designer of environmental art, etc.), a designer, a set designer and a film director (his latest film is entitled La divina cometa). These four ‘figures’ are not unsaddled. Firstly, symbolically, since horses are a recurring ‘being’ in his works. After all, in each of these realms he is simply what he is supposed to be, i.e. he works on a specific subject in a specific language, without ever being the artist who is trying his hand at set design or a set designer having a go at making a film.
Flexibility is a constant in his creative work and, to no lesser extent, in his thinking. His thinking is actually based on an anthropology of the Apennines in Campania, a passion for certain philosophers, men of letters, artists (let us cite some of the figures he focuses on: Borges, Tarkovsky, Rauschenberg, Martini, Scianna). This malleability also concerns intellectual-sentimental crossovers between different avant-garde movements and forages into ancient history or new trends more or less contemporary with him. And he elaborates general ideas and concrete projects in the name of dissimulated complexity. I have carefully avoided using the word ‘eclectic’. If anything, we might describe him as syncretic.
Sharp-eyed and open-minded, at the age of 16 he visited the Venice Biennale with his artistic uncle and came across American Pop Art. He was particularly taken with Rauschenberg and his use of different means and materials. A lesson in free expression for Paladino. And he soon translated this into a method for his own approach to the various provocations coming from new experimentation, especially when he ended up in Milan (1977).
Figuration is very evident in his overall body of work. But this might tempt us into to describe him as simply figurative; that would be stretching the point. Let us say that figures are there in his work. But this is a tricky issue and not just because of what we have just said. In fact, I would immediately add that, with almost a Jungian way of thinking, the artist operates on tried-and-trusted semantic terrain that he has reinvented for himself. Not to say that the idea of the archetype is in his blood; it is just a leitmotif of his. He creates his archetypes in a work-in-progress manner and not along preconceived ideological lines. Paladino is a Brancusian, who, rather than confining himself to Paris (or in his case Milan), soon travelled the world as be became increasing in demand by museums and galleries (and is now a leading figure on the international scene).
His background lies in the Apennine hinterland (including Samnite tradition). It remains steadfast and, in this sense, his major and highly evocative environmental work called Hortus Conclusus created in Benevento in 1992 in partnership with the architects Roberto Serino and Pasquale Palmieri (lightning designer Filippo Cannata) perfectly embodies the deep bonds the artist has with his homeland. Brancusi gives his forms – which are basically ‘closed’ – up-to-date openings (see Colonna senza fine or Il Neonato with carvings made on and ovoidal form that loses its total closure and integrity). Paladino began by studying American trends in abstraction. He then became aware of the work of Fontana, and others. What is certain is that the Pop art he sees in Venice is his own road to Damascus. He takes in the underlying message that something ‘different’ needs to be done. Photography, which he initially focused on, encouraged him along his deviant ways. And he makes no secret of this: ‘I have always been a supporter of the avant-gardes’. This explains his interest in Joyce and, most significantly, a certain restlessness that accompanies his great urge to design and work tirelessly, but always in a careful, responsible and engaged manner.
So much so that I would not describe it as primitivism. I would, instead, use the word ‘archaic’. The latter also evokes culture, and history. Paladino, in fact, never ‘Arnulifies’ (to quote Rainer). His narrative is almost always quiet yet intense; it has backbone, even if its rhythm is not convulsive. And what about ambiguity? He has that, too, along with his sympathies for avant-garde tensions. Its expression/expressiveness is underpinned by a kind of iconography that is only apparently explicit. There are no unambiguous, closed-artistic messages.
And although his is not ‘Open Work’ yet (Umberto Eco’s concept drawing on Heinrich Wölfflin’s theory of ‘open form’ in the realm of Pure Visibility), it certainly will be, if I may be allowed the luxury of self-quotation, Opera Ellittica. Otherwise, there would not be that fascination and fatal attraction that are characteristic of, for example, the Salt Mountains or Stele, that grand, ambiguous, syncretic installation of a cross that only appears as such when viewed from above.
This article is a collaboration with L’Arca/International, n. 171
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I quattro cavalieri dell’apocalisse nel caso di Mimmo Paladino non sono appiedati come accade al Quijote nell’omonimo film dell’artista di origine campana (Paduli), classe 1948. La metafora rimanda al fatto che egli è artista poliedrico, sicché i quattro cavalieri dell’apocalisse sono: l’artista (pittore, sculture, fotografo, incisore, progettista di arte ambientale, ecc.), il designer, lo scenografo, il regista (l’ultimo suo film è La divina cometa). Queste quattro ”figure” non sono appiedate. Intanto, per via simbolica, in quanto il cavallo è un “essere” ricorrente nelle sue opere. Inoltre, in ognuno di questi ambiti egli è quello che deve essere, si cala cioè nel terreno specifico e nel linguaggio specifico, senza mai essere l’artista prestato alla scenografia o lo scenografo prestato al cinema.
La duttilità è una costante del suo operato creativo. Non meno, lo è del suo pensiero. Questo si fonda sull’antropologia dell’appennino campano, sulla passione per taluni filosofi, letterati, artisti (citiamo alcune figure fra quelle da lui stesso sottolineate: Borges, Tarkovskij, Rauschenberg, Martini, Scianna). Questa duttilità riguarda pure gli attraversamenti mentali e sentimentali di correnti avanguardistiche, di storia antica, di nuove tendenze a lui più o meno coeve. Ed egli elabora idee generali e progetti concreti all’insegna di una dissimulata complessità. Ho evitato l’appellativo di eclettico. Semmai si potrebbe dire sincretico.
Occhi acuti e mente aperta, a 16 anni, in compagnia dello zio artista, visita la Biennale di Venezia e si imbatte nella Pop Art americana, colpito in particolar modo da Rauschenberg, e dal suo polimaterismo. Una lezione di processualità espressiva libera, per Paladino. Ed egli la traduce presto in metodo per il suo approccio alle varie provocazioni che gli arrivano dalle nuove ricerche, specialmente quando approda a Milano (1977).
La figurazione è ben evidente nella sua opera complessiva. Ma da qui a essere tentati di definirlo figurativo tout court ne corre. Diciamo che l’icona riconoscibile c’è. Ma è complessa. Non solo per quanto già detto. Aggiungo subito infatti che, quasi con
metodologia di pensiero junghiana, l’artista si muove su un terreno semantico collaudato ma da lui iconologicamente inventato. Per non dire che l’idea dell’archetipo gli è consanguinea, è un suo leit motiv. Solo che lui i suoi archetipi se li costruisce con modi da work in progress e non per una ideologia pregressa. Paladino è un brancusiano che, anziché limitarsi a Parigi (nel suo caso a Milano) ben presto gira per il mondo sempre più richiesto da musei e gallerie (ed è figura di primo piano nel panorama internazionale). Il suo background è l’entroterra appenninico (compresa la tradizione dei Sanniti). Esso rimane saldo, e in questo senso il grande e tanto evocativo lavoro ambientale Hortus Conclusus realizzato nel 1992 a Benevento, con la collaborazione degli architetti Roberto Serino e Pasquale Palmieri (lightning designer Filippo Cannata), esprime proprio questo legame profondo che l’artista ha con la sua terra. Brancusi imprime alle proprie forme – che di base sono “chiuse” – aperture aggiornatissime (si veda Colonna senza fine o Il Neonato con l’intaglio praticato sulla forma ovoidale che perde la sua interezza e chiusura totale).
Paladino guarda dapprima alle tendenze astratte americane. Prende coscienza dell’opera di Fontana, e altri. Certo è che la Pop che vede a Venezia è una sua via di Damasco. Riceve, infatti, il messaggio di fondo che qualcosa di “diverso” va fatto. La fotografia, a cui si dedica inizialmente è sua complice a proposito delle sue simpatie per le devianze. Ed egli non ne fa mistero: “Sono sempre stato un sostenitore delle avanguardie”. Da qui, peraltro, il suo interesse per Joyce. Ma da qui, innanzitutto, l’inquietudine che accompagna la sua forte pulsione al progettare e al fare, instancabilmente, ma sempre in modo attento, responsabile, teso. Tanto che non mi sentirei di parlare di primitivismo. Parlerei invece di arcaico. Quest’ultimo vuol dire anche cultura, storia. Paladino, infatti, non “arnulfizza” mai (tanto per citare Rainer). Il suo racconto è quasi sempre quieto, ma sempre tesissimo, ha nerbo anche se il ritmo non risulta convulso. E che dire dell’ambiguità? Gli appartiene, congiuntamente alle simpatie per le tensioni avanguardistiche. La sua espressione/espressività, anche se sorretta da un’iconografia che solo apparentemente è esplicita. Non ci sono messaggi univoci, da opera chiusa. E se non è Opera Aperta (concetto di Umberto Eco, preceduto da quello di “forma aperta” di Heinrich Wölfflin nell’ambito della Pura Visibilità), sarà certamente, se mi si consente l’autocitazione, Opera Ellittica. Diversamente non ci sarebbero quel fascino e quell’attrazione fatale che sono proprie, ad esempio, delle Montagne di Sale oppure di Stele, la grande, ambigua, sincretica installazione della croce che tale appare solo se vista dall’alto.
Una collaborazione con L’Arca/International, n. 171
